Luis Buñuel's "Le fantôme de la liberté" (1974)

"El Fantasma de la Libertad" es la reduccion al absurdo de Luis Buñuel respecto a la busqueda de la libertad de la humanidad. Hemos recorrido un largo camino, y cada dia estamos mas cerca de la libertad, las instituciones caen una tras otra, las escuelas clasicas de arte pasaron a ser consideradas obsoletas y opresivas y ya estamos mas alla del bien y del mal. Mi unica conclusion, tal como diria antes de su fusilamiento una de las victimas de la "liberacion" de las fuerzas francesas presentada al inicio de la pelicula, "¡Abajo con la libertad!".

Cuando ya pasamos del concepto del bien y del mal, cuando no hay fundamentos de ningún tipo en los que realmente creamos y sustenten nuestras acciones, la libertad absoluta esta cohartada unicamente por la ley y las convenciones sociales. Si estas convenciones sociales son la delgada linea divisoria entre lo que podemos hacer y lo que no, en nuestra busqueda de satisfaccion, es la hipocresia la que nos permite burlar nuestro unico factor condicionante para la total libertad de accion. Sobre estas bases, el señor Buñuel, con el cinismo cruel que lo caracteriza, durante casi dos horas nos invita a un catalogo de miserias humanas brillantemente presentadas, pinceladas con el mejor surrealismo que el cine supo tener.

Todos somos hipocritas. Este es el hilo conductor de las secuencias que una tras otra son presentadas por Buñuel. Una edicion impecable hace que la transicion de una situacion a otra, nos sea ligera y hasta imperceptible. En general, la lectura racional y la búsqueda de simbolismos nos puede ser util, pero no es necesaria, quizas lo mejor que el cine de Buñuel tiene, es la capacidad de transmitir ideas e impresiones a traves de nuestra interaccion con las mismas, pero sin requerir de una lectura racional para abordarlas. Como en los sueños, una pesadilla puede agobiarnos, no por la explicación racional que hagamos de la misma y de sus símbolos, a posteriori, sino por el mero hecho de estar inmersos en ella.

Aunque es altamente tentador contar algunas de las secuencias, prefiero no hablar de ninguna de ellas, para que cada quien descubra la película a su gusto, sin ninguna anticipación, de la misma manera que yo he podido disfrutarla. En su estreno, hace 35 años, muchas de las escenas de la película se hicieron realmente famosas, hoy dia, ya casi nadie las recuerda, con lo cual, creo que casi todos podrán disfrutar del desconocimiento absoluto. Para los que la han visto y aun la recuerdan, solo puedo decir una cosa: "¡Que al menos se queden los monjes!".

Luis Buñuel's "El Angel Exterminador" (1962)

Introducción, Nudo, Desenlace. Así fuimos enseñados y en lo mas profundo de nuestra tolerancia, seguimos queriendo simplificar la realidad a eso: Introducción, Nudo, Desenlace. Y aquí hace su entrada Luis Buñuel, complicándolo todo. "El Ángel Exterminador" es la exploración y explotación del absurdo. Ya una de las primeras escenas pareciera que cumple con ser una advertencia a lo que esta por venir: los comensales de una cena de la alta sociedad llegan a la recepción, suben las escaleras para dejar sus abrigos, inmediatamente después, vuelven a llegar y nuevamente son invitados a subir las escaleras para dejar sus abrigos. ¿Explicación a esta repetición? Ninguna. Como el mismo Buñuel comentara, "Si el filme que van a ver les parece enigmático e incoherente, también la vida lo es. Es repetitivo como la vida y, como la vida, sujeto a múltiples interpretaciones. El autor declara no haber querido jugar con los símbolos, al menos conscientemente. Quizá la explicación de El Ángel Exterminador sea que, racionalmente, no hay ninguna".

Haciendo de la sinopsis una obligación lo mas breve posible, participamos de una cena de la alta sociedad que, instantes antes de que lleguen los invitados, todos los sirvientes del lugar abandonan su trabajo sin previa explicación, dejando únicamente al mayordomo a cargo de todo. La cena, exceptuando repeticiones como la comentada anteriormente, evoluciona sin mayores dificultades. Los comensales cotillean, se burlan unos de otros, y muestran todas las pequeñas miserias a la que nuestra vida cotidiana nos tiene por demás acostumbrados. Luego, finalizada una sonata tocada por una de las invitadas, inexplicablemente ninguno abandona el lugar, improvisando cada uno de ellos un lugar para dormir. A la mañana siguiente, al no poder explicar el comportamiento del día anterior, llegan a la conclusión de que no pueden abandonar el salón en el que se encuentran. Existe una línea invisible que los separa de la libertad, de ahora en mas, la suerte de todos esta condenada a ese salón, los integrantes del improvisado grupo pasan a ser náufragos en esa habitación que los retiene, de la que nadie puede salir y a la que nadie puede entrar.

Los días pasan y el comportamiento de los comensales se vuelve cada vez mas precario y barbárico. Unas cabras que querían ser utilizadas para una broma en la cena finalmente entran al salón, son sacrificadas, asadas y posteriormente devoradas por los comensales de etiqueta. Los modales cada vez son menos cuidados, tenemos riñas, lujuria, mentira, hurto y hasta intento de asesinato. Cuanto mas extrema se vuelve la situación, mas extremo se vuelve el comportamiento de sus participantes, hasta reducirlos a la precariedad absoluta y la barbarie.

Imagino la total y absoluta fascinación que puede haber provocado este filme en las mentes ávidas de interpretaciones socio-políticas, y seguro las habrá, innumerables. En mi caso, prefiero ver el "El Ángel Exterminador" como un experimento de laboratorio de Luis Buñuel. Pensemos en introducir una docena y media de integrantes de nuestra entrañable sociedad en una habitación, luego, cuidadosamente y de manera imperceptible, ponemos un vidrio, cual pecera, cerrando la única salida que tienen disponible, pero ellos, al igual que una mosca golpeándose insistentemente contra un cristal, no saben lo que ese cristal significa, solo experimentan la imposibilidad de salir.

No hemos cambiado el entorno de nuestros invitados, siguen siendo los mismos que se han reunido a cenar amistosamente, en la misma casa, únicamente hemos confinado su espacio. Al limitarlo, toda acción que cada uno de ellos realice afectara directamente al resto de los integrantes del grupo, todo lo que alguien tome, será quitado a otro, no habrá privacidad, todo estará a la vista de todos: cada mentira, burla, cotilleo y traición será vista por todos y compartida con todos.

Todo esta listo, el espacio experimental preparado, los sujetos a analizar en sus posiciones, no tenemos mas que dejar pasar el tiempo, día a día, y asistir al espectáculo de la decadencia de la condición humana. En este caso, por 90 minutos, sin tener que salir de nuestras casas.

George A. Romero's "Night of the Living Dead" (1968)

En 1968, George A. Romero dio vida a un icono que aun hoy sigue igual de vigente que hace 40 años: el "zombie". Aunque esta criatura pertenece a creencias mucho mas antiguas que se remontan al vudú africano, la concepción del zombie que hoy conocemos, fue de Romero, particularmente de su "Night of the Living Dead". Su vision del zombie es la del muerto resucitado deambulador, golem de bajo presupuesto hecho por quien sabe que virus, radiación o mutacion genetica, lento, perezoso, torpe, de mandibula potente, que deambula con las ultimas vestimentas de su vida anterior, no importa que sea traje de etiqueta, bañador o completa desnudez.

Su primer película de la saga, de bajísimo presupuesto, filmada en blanco y negro, fue el primer acercamiento al mito del zombie, su impacto debe haber sido lo suficientemente significativo para, reitero, mantener vigente aun hoy, luego de 40 años, una visión que no ha cambiado en lo mas mínimo.

Seguramente, el publico que hoy consume cine de terror version Y2K no pueda encontrar interés en esta película, claro esta que después de 40 años de repeticiones incansables que no han sabido superar en nada a su progenitora, difícilmente podamos decir que esta película pueda "sorprender" a alguien, en el sentido argumental de la palabra. Pero intentemos ubicarnos en el '68, pensemos en que por esos años, el sistema de protección a menores de edad que determinaba el publico apto para cada película, no supo contener a esta producción, ya que no incluía ninguna de las restricciones impuestas (principalmente desnudez y escenas de sexo). Pensemos que niños de no mas de 10 años iban a ver la película y pensemos en lo que ven:

Dos hermanos van a depositar flores en la tumba de un familiar al cementerio, instantes después son atacados por un personaje maltrecho, padre de todos los zombies del cine contemporaneo. El hermano muere, la mujer escapa refugiándose en una casa. Pronto llega quien será nuestro protagonista y héroe: un negro. Pronto se suman a nuestra dupla de protagonistas dos parejas, una de ellas con una niña enferma que estaban escondidos en el sótano. El tiempo pasa, deciden un plan para escapar que incluye cargar gasolina en una camioneta e irse, el negro junto a la joven pareja del sótano emprenden la tarea. Un error y la joven pareja protagonista muere calcinada en la camioneta. Los zombies los descuartizan y devoran sus extremidades y entrañas en primerísimo plano. El negro regresa y el hombre de la otra pareja lo traiciona, quiere dejarlo afuera, pero se las arregla para entrar a la casa, pelean y el negro lo mata. Malherido, el hombre desciende al sótano y muere al lado de su hija pequeña que esta recostada por su enfermedad. La niña despierta, es un zombie mas, lo cual explica su enfermedad. Devora a su padre muerto y con una espátula acribilla a su madre una y otra vez clavándosela en el pecho. El negro ve la escena y mata a la niña. Amanece, un grupo de rescate llega a la casa eliminando a los zombies que aun merodeaban por allí, el negro escucha ruidos afuera, cautelosamente sube la escalera del sótano, desde fuera ven a nuestro héroe, el grupo de rescate elimina a todos y cada uno de los zombies a distancia prudencial con sus rifles, un disparo entre los ojos de nuestro héroe alcanza para dejarlo sin vida. Fotogramas posteriores nos muestran como es llevado a la pila de zombies que están siendo incinerados. Fin.

Una apologia de lo Bizarro: aunque inexplicable, lo bizarro tiene un efecto en nosotros realmente significativo. La definición de la palabra es siempre ambigua y comúnmente implica extravagancia y rareza, aunque yo la acercaria mas a lo estéticamente desagradable, artísticamente cuestionable y políticamente incorrecto. Aunque debemos aceptar que es caldo de cultivo de muchísimas producciones que nunca deberían haber existido, existe un porcentaje de grandes producciones que saben abrirse camino en nosotros y se vuelven marcas (o cicatrices) imborrables. Sin buscar una explicación de este fenomeno, es fascinante como lo bizarro nos afecta de una manera unica, como sus iconos se vuelven atemporales, y aunque podamos buscar analogias, interpretaciones o justificaciones, sus imagenes por si mismas se vuelven recuerdos siempre vigentes.

Comúnmente se suele menospreciar artisticamente la calidad de todo lo Bizarro (y en gran parte, aceptemos que esto es valido), pero hay un numero de excepciones a la regla que no pueden obviarse. Algo que es capaz de dejar una huella tan significativa que por 40 años siga vigente, y sabemos que seran muchos años mas aun, tiene una importancia en si misma que no se puede omitir. Algo nos ha provocado a través de los años y debe ser tenido en cuenta, al menos, esta opinión en el caso de "Night of the Living Dead" es también la de la Librería del Congreso de los Estados Unidos, que en 1999 la ha elegido para integrar el "National Film Registry" que año a año selecciona producciones representativas por su "significancia histórica, estética y cultural".

Pensemos ademas que lo bizarro nos acompaña hace muchísimo mas tiempo del que comúnmente creemos: pensemos en el dios Saturno, devorándose a sus propios hijos por temor a que cuando crezcan lo destronen, inmejorablemente representado por Francisco de Goya en su pintura "Saturno devorando a un hijo" (1819-23). O pensemos en Pasifae, mujer enamorada de un toro, que encargo al artifice Dedalo la construcción de una vaca de madera, y metiéndose en su interior pudo consumar la relación contra natura con el toro, dando a luz al tan famoso Minotauro. Estas imagenes tienen, digamos, 2500 años de antigüedad, siguen vigentes, siguen siendo interpretadas y analizadas, pero su fuerza primaria nos sigue afectando directamente. En nuestro interior, cada cual les asignara inconscientemente asociaciones inexplicables y quizás inconfesables, que, parafraseando a Tim Robbins en "Mystic River": "Once it's in you, it stays".

John Carpenter´s "Halloween" (1978)

Allá por el año 1978, millones de espectadores participaban de algo que solo muchos años después se pudo entender su verdadera magnitud. Cómo una idea, un concepto, uno más, de esa década increíble, única e irrepetible, llena de creatividad retorcida como fueron los ’70, daba inicio a uno de los eventos más significativos del cine contemporáneo. En general, el cine ha influido notoriamente en la cultura contemporánea, pero entre los iconos más significativos de esta influencia, pocas películas estarán a la altura de “Halloween”.

Primer película del cine de Slayer, tiene su abuela en Alfred Hitchcock´s “Psycho” (1960) y su madre en Tobe Hooper´s “The Texas Chain Saw Massacre” (1974). Brillantemente dirigida por John Carpenter, cada uno de los elementos del filme, años más tarde, se han convertido en el decálogo de todo un subgénero que, por más de 20 años, nadie se ha atrevido a salir de sus enseñanzas.

Todo empieza con una pareja de adolescentes remoloneando en el sillón del living de su casa. Vemos la escena desde los ojos de alguien absorto en la situación. La pareja sube a su habitación, los seguimos, lentamente, desde el exterior de la casa, ventana a ventana. Conocemos la casa, entramos por la puerta trasera. En la cocina tomamos un cuchillo, lo miramos detenidamente y consideramos que es lo suficientemente grande. Vemos salir al novio de la chica, que aun está en su habitación. Esperamos. Subimos las escaleras, peldaño a peldaño, sin ansiedad ni apuro. Nos topamos con una máscara en el piso, decidimos usarla, vemos únicamente a través del hueco de sus ojos, pero es suficiente. Pasamos a la habitación de la chica que esta desnuda y absorta en sus pensamientos. Nos escucha, se voltea, nos ve, nos reconoce, grita… Escuchamos la hoja del cuchillo clavándose una y otra vez en su pecho, miramos su rostro desencajado de dolor, miramos la hoja de la cuchilla completamente ensangrentada, vemos el mecánico ejercicio de la hoja clavándose una y otra vez en el pecho de la chica que nos ha reconocido. Sin vida, vemos su cuerpo caer al piso. Salimos de la casa.

Nuestros padres, horrorizados, nos ven salir, nos llamamos Michael Myers, tenemos 6 años y acabamos de apuñalar a nuestra hermana mayor.

Esta secuencia es un brillante ejemplo de cómo la conjunción de una idea renovadora, un argumento original y la brillantez técnica de un director que tuvo la lucidez de hacernos cómplices del propio asesino, de participar de su experiencia, en una secuencia sin cortes de cinco minutos, crean algo que es imborrable, que desde el momento en que lo vemos, pasa a formar parte de nuestra imaginería: el cuchillo de Norman Bates cayendo una y otra vez sobre su víctima en la bañera de “Psycho”; Alien en todas sus etapas evolutivas: el huevo, el embrión estallando el pecho de su anfitrión, el Alien adulto superviviente perfecto; la aleta de Tiburón, asediando una tranquila playa turística, y los increíbles Zombies de George A. Romero: desgarrando y devorando la carne de sus víctimas, la niña zombie comiéndose a su propio padre y matando a su madre clavándole incansablemente una espátula una y otra vez en el pecho.

De una manera o de otra, todos hemos visto “Halloween”. Es incalculable la cantidad de películas que inspiró: sea copias baratas, realizaciones Clase B, grandes producciones de Hollywood, cine de otras nacionalidades, sátiras, comedias, y un incansable etcétera que sigue creciendo día a día. A hoy, reseñar la película no tendría ningún sentido: hablar de un corpulento asesino de adolescentes promiscuas en la noche de Halloween, enmascarado, armado con un cuchillo desproporcionadamente grande, de pocas palabras y respiración pesada, es una obviedad que no despertaría el interés de nadie.

Pero el interés está en pensar que una película, una idea, realizada con un presupuesto mínimo por un realizador novato, supo abrirse camino de la manera que lo hizo en nuestra cultura contemporánea y ser parte de las leyendas urbanas de cualquier nacionalidad, siendo un éxito de taquilla internacional, desde su estreno, hasta el día de hoy, en la forma de secuelas e interminables variantes y repeticiones. Destacando además que no solo su original idea fue lo que hizo inmortal esta película, sino que John Carpenter supo realizar un filme impecable, recurriendo a la mínima expresión de Gore, con una violencia perfectamente utilizada, sin derramar una gota de sangre más de la necesaria, con un suspenso agotador, constante, absorbente, utilizando brillantemente los fondos, mostrándonos lo que los protagonistas no pueden ver, haciéndonos cómplices del asesino, y en muchos casos, obligándonos a compartir su punto de vista.

Por una hora y media de proyección, Carpenter juega con nosotros: por momentos somos Michael Myers, nos interesamos por sus víctimas al igual que él y esperamos a su lado, luego pasamos a ser sus cómplices, compartiendo el asiento de su auto mientras lentamente seguimos a nuestra próxima presa, y en otros casos asistimos a la suerte de alguna de sus víctimas sin poder hacer más que ver lo que ellas no pueden ver, queriendo avisarles que detrás de ellos esta el asesino esperando plácidamente detrás del portal.

Dream Theater, 23/10/2009, La Cubierta, Leganés, Madrid

Dream Theater es una banda norteamericana de Metal Progresivo formada en 1985, que actualmente está integrada por John Petrucci (guitarra), Mike Portnoy (batería), John Myung (bajo), Jordan Rudess (teclados) y James Labrie (voz). Para el que no conoce, un “stream of consciousness” o un “the dance of eternity” en Youtube debería alcanzar para tener una buena idea de lo que la banda ofrece.

Cumplo en reseñar brevemente el concierto para recordarme que volver a verlos es una obligación impostergable.

Lo peor, el sonido en plan bola debido al lugar, La Cubierta de Leganés en Madrid, plaza de toros techada con una acústica cuestionable. Y el público: triste, parco, opaco y aburrido, en resumen una lagrima.

Lo mejor, ellos, con un virtuosismo en vivo impecable, y un concierto de casi dos horas que nunca decae. “The Dance of Eternity” sin duda lo mejor del Setlist, seguido de “A Nightmare to Remember” y “The Count of Tuscany” que valieron la pena para dar muchas ganas de escuchar una y otra vez su último disco “Black Clouds & Silver Linings” (2009).

El Setlist del 23 de Octubre de 2009:
1. A Nightmare to Remember
2. The Mirror
3. Lie
4. A Rite of Passage
5. The Dance of Eternity
6. Solitary Shell
7. Pull Me Under
8. The Count of Tuscany

Y para los metaleros de ley, envidien que nos tocó “Pull Me Under”, que en todas las últimas presentaciones no lo están incluyendo en el Setlist.

Jaume Balagueró´s "REC" (2007)

Para el que no lo sabe, REC es una producción española realizada en el 2007 sobre zombies dentro de una casa en Barcelona. En la casa hay gente. La gente primero es perseguida por zombies. Luego de la inevitable mordida sanguinolenta, pasan a ser zombies perseguidores. El conjunto de personas disminuye proporcionalmente al crecimiento del conjunto de zombies. La gente que escapa, lo hace al gutural grito de “Hostiaaaa! Hostiaaa puta!” lo cual hasta el momento no lo habíamos visto en ninguna película de zombies y nos gustó, nos gustó mucho. La protagonista no sabe ni hablar, pero es una cuestión menor, ya que principalmente sus líneas son monosílabos o gritos que saben encontrar el límite de la paciencia de casi cualquier espectador.

Faltó decir que REC está filmada íntegramente con cámara en mano en plan documental, como se hizo ocho años antes la visionaria “The Blair Witch Project”. ¿En que estaba? Cierto, cada vez mas zombies. Precintan la casa, nadie puede salir (tanto nosotros, como los protagonistas y el bajo presupuesto de la película, estamos todos encerrados en la casa, no podemos salir). Se corta la luz, podemos ver únicamente a través del lente infrarrojo de la cámara que filma, con lo cual, se suma la disminución total de visión a nuestros nervios totalmente colapsados por a) los gritos de la protagonista, b) el constante movimiento de la cámara en mano, c) la extraña fascinación de los zombies de ponerse espásticos, convulsos y gritones cuando los enfoca la cámara en primerísimo plano.

Hay un intento de explicación a todo esto, un “alquimista” cree que “cometió un terrible error”. Listo. A todo lector que no haya visto la película, le adelanté todo lo que la película tiene de argumental, pido disculpas.

¿Cuál es el problema con REC?

Por un lado, todo realizador de cine de terror sabe que el que juega con zombies puede terminar haciendo una comedia. Hay una realidad ya universal, y es que los zombies son graciosos, muy graciosos. El zombie es un recurso muy útil a la hora de argumentos cuestionables: saben abrir puertas cuando conviene al argumento, y minutos después se quedan golpeando la cabeza contra la misma puerta sin saber cómo abrirla para generar suspenso. Por momentos tienen una fuerza hercúlea, instantes después, no pueden ni caminar, cuando hay que generar suspenso se quedan tranquilamente tumbados por tiempo indefinido, instantes más tarde, cuando hay que generar sorpresa, resucitan desbocadamente. Es un hecho que hay que tener cuidado con los zombies, porque todo empieza como cine de terror pero puede terminar siendo un descojone.

Por otro lado, el eterno dilema de la Sorpresa vs. el Suspenso. Alfred Hitchcock en un reportaje realizado por François Truffaut lo ejemplificó de la siguiente manera:

“No es lo mismo la sorpresa que el suspenso. Sorpresa es que en una reunión explote una bomba que había oculta debajo de una mesa. Suspenso es que veas como colocan la bomba, sepas cuando va a explotar, y veas como la sala se va llenando de gente mientras quisieras gritarles...Hey, que hay una bomba!!”

La sorpresa puede y es eficaz, pero efímera. El buen suspenso, se sostiene en el tiempo, crece, absorbe al espectador y lo une invariablemente a la suerte de los protagonistas del filme. El eterno problema con el cine de terror es que muy pocas películas han sabido utilizar el complejo recurso del suspenso, es inevitable nombrar las inmejorables Alfred Hitchcock´s “Psycho” (1960), Stanley Kubrick´s “The Shining” (1980) y John Carpenter´s “Halloween” (1978) como ejemplos de lo mejor que el cine de terror ha sabido ofrecer.

En general, el cine de terror se limita a sostener la tensión del espectador de sorpresa en sorpresa, películas que mas tarde o más temprano caen en el olvido. ¿Qué tiene de malo? Pues nada, haciendo una analogía con un análisis de Salvador Dalí, podríamos decir que únicamente es la diferencia entre el erotismo y la pornografía.

Don Siegel's "Invasion of the Body Snatchers" (1956)

“Invasion of the Body Snatchers” y “Dirty Harry” son quizás las películas más influyentes realizadas por Don Siegel. Durante toda su carrera, condenado a la realización de películas de bajísimo presupuesto, supo ofrecer producciones influyentes que en el caso de “Invasion…” es hoy en día un clásico indiscutible, ya con tres remakes en su haber, figurando en toda lista de las mejores películas de Sci-Fi de todos los tiempos y que ha ingresado en 2008 al “National Film Registry” de la Librería del Congreso de los Estados Unidos , que elige año a año, producciones representativas por su “significancia histórica, estética y cultural”.

Basada en la novela de Jack Finney “The Body Snatchers”, trata sobre la supuesta invasión de unas semillas alienígenas capaces de duplicar a cualquier ser humano. Ubicada en la ficticia comunidad de Santa Mira, sus habitantes son reemplazados uno a uno por estos dobles idénticos que se ven iguales a su original, se comportan de la misma manera, con sus mismos recuerdos, pero, con una pequeña diferencia: algo no es normal en su mirada… especie alienígena basada únicamente en la supervivencia, carecen de las emociones y sentimientos humanos de las personas que reemplazan.

A excepción de las estéticamente cuestionables semillas alienígenas, esta película de ciencia ficción carece de cualquier efecto especial. Sus reglas de juego se basan en el supuesto de que la gente normal con las que todos los días convivimos y que conocemos de toda la vida, puedan ser impostadas por una figura foránea con su propia agenda. Su mejor logro, el suspenso provocado por este supuesto que plantea la imposibilidad de confiar en cualquier otro individuo y la potencial conspiración siempre presente.

En su día, con su estreno, la película supuso una metáfora a la invasión ideológica comunista en el corazón de los Estados Unidos en plena paranoia del Macartismo. Recuerdo de la persecución ideológica que suponía la imposibilidad de confianza entre individuos y la latente y constante posible conspiración. Más allá de que sus propios realizadores negaron cualquier posible analogía política a una película, que según ellos mismos afirman, buscaba únicamente contar una historia de ciencia ficción sin ningún mensaje entre líneas, el ejercicio del suspenso que el filme logra es más que interesante.

Ubicado en la ya citada población rural de Santa Mira, pequeño pueblo costumbrista de los Estados Unidos, las sospechas iniciales sobre algún individuo de la población empiezan a multiplicarse exponencialmente hasta llegar a creer que todos los habitantes forman parte de esta conspiración secreta de reemplazar todos y cada uno de los individuos por su doble alienígena. El objetivo de esta conspiración: la mera supervivencia. Sospechas fundadas únicamente en la forma de mirar o sentimientos inexplicables con palabras, distintos individuos de la comunidad empiezan a dudar de sus familiares más cercanos. Finalmente, en una escena magistral de un sábado como cualquier otro en la comunidad, se termina por demostrar la conspiración de toda la población funcionando sincronizadamente en una reunión de organización y distribución de las semillas sobre todos los pueblos allegados a Santa Mira. Viendo esta escena es imposible no recordar todas sus futuras influencias en “The Truman Show” (1998) con toda una ciudad coordinada en función de un individuo o en “The Matrix” (1999) con una representación controlada de toda una civilización.

Mas allá de las reales intenciones de sus realizadores, el suspenso creado por la película trasciende su argumento. Su ejercicio de la desconfianza conspiratoria es brillante.

Al menos a este humilde servidor, le hizo pensar en que todos nosotros, humanos civilizados que nos conocemos de toda la vida, haciendo nuestra vida día a día, conviviendo con nuestros amigos, familiares, conocidos, compañeros de trabajo, etc., tenemos la potencial doble personalidad de ser alienígenas, con nuestra propia agenda basada únicamente en la supervivencia de nuestras ideologías más radicales. Si no lo creen así, discutan de política con alguien y díganme si después de tres horas de inútil disertación no terminan por concluir que la única posibilidad que queda para explicar la discusión que ha tenido lugar, es que estamos rodeados de alienígenas.

Quentin Tarantino's "Inglourious Basterds" (2009)

La ultima película de Tarantino bien podría haberse llamado “The Dumb, the Nazi, his Blonde & her Lover”, pero este título, aunque más acorde al contenido de la película, difícilmente podría haberse asociado a la personalidad tarantinezca. “Inglourious Basterds” en cambio, es todo un titulo Tarantino, sin embargo, estos bastardos sin gloria no ocupan más que media hora de proyección en un filme de dos horas y media. Visto así, parece más un timo publicitario, y aunque no es justo decir eso de esta película, si se puede decir que es una manufactura del Tarantino mas vendible, bajo las normas y convenciones de las adolescentemente exitosas "Kill Bill Vol. 1" (2003) y "Kill Bill Vol. 2" (2004).

No entraré en argumentos ni spoilers, solo decir que la película está ambientada en la Segunda Guerra Mundial y su contenido argumental son tres historias entrelazadas que culminan uniéndose en la secuencia final del filme. Estas historias son la del Coronel Nazi Hans Landa, brillantemente interpretado por Christoph Waltz; la historia de venganza de la rubia Shosanna y su mulato amante; y finalmente la de los bastardos liderados por un Brad Pitt en el papel que mejor le sale, el de bobo espástico.

No se puede decir que esta película no es buena, sin embargo, no se puede pensar en una película de uno de los más brillantes realizadores de las últimas décadas como una película más. Es inevitable que la expectativa de una película de Tarantino obligue a la comparación dentro de la obra del mismo Tarantino. Entonces, comparemos.

Sin contar la milagrosa “Pulp Fiction” (1994), que es incomparable, ya que es uno de los hitos más importantes del último cuarto de siglo del cine, considero que la mejor película de Tarantino fue "Jackie Brown" (1997), básicamente porque es la maduración del estilo Tarantino, llevado a su mejor y máxima expresión. Luego del fracaso comercial de esta película, Tarantino hizo “ligeros” cambios a su cine y logro los éxitos comerciales de ambas entregas de Kill Bill. Quizás lo más criticable, para alguien que tenía la esperanza del retorno de Tarantino a Jackie Brown, es haber visto la reafirmación de un Tarantino que ha seguido el curso definido por "Kill Bill". Curso que básicamente significó:

El dialogo paso de ser un medio a un fin: las primeras películas de Tarantino supieron innovar en presentar un dialogo casual y no trascendental al argumento del filme, que dentro de la consecución de una escena permitía darle a cada uno de los personajes una profundidad y cercanía que difícilmente podemos ver en otras películas antes de Tarantino. En "Reservoir Dogs" (1992), su opera prima, tenemos el decálogo del dialogo tarantinesco en una escena en que Tim Roth recibe de su jefe una clase magistral de como meterse en su personaje de policía encubierto, explicando que los pequeños detalles convencen a los oyentes del personaje que están conociendo, presentando finalmente la inolvidable escena del baño y el trafico de marihuana, contada por Roth. Ya en Kill Bill, el dialogo pasa principalmente de medio a ser fin, siendo la propia conversación la escena en si misma, presentando de manera mas obvia la marca registrada de Tarantino y espesando la dinámica de la película.

La violencia paso a ser explicita: en las tres primeras grandes obras de Tarantino (Reservoir Dogs, Pulp Fiction y Jackie Brown) la presentación de la violencia tenia un montaje muy cuidado en el que veíamos situaciones violentas presentadas de una manera mas relajada, que decía todo lo que tenia que decir, pero el espectador no terminaba salpicado de sangre. Con "Kill Bill", la violencia paso a ser también una marca registrada de Tarantino y cuanto mas salpicada terminara la cámara de sangre, mejor. Como antes, mas obvio, fin en si mismo y no medio para escenas que, aunque menos explicitas, sin duda fueron mas memorables que la orgía sanguinaria de "Kill Bill". Recordar escenas como Michael Madsen cortándole la oreja al policía en "Reservoir Dogs", con una cámara alejándose de la acción, mostrando únicamente una pared con el cartel de "Watch your head" al ritmo de "Stuck in the middle with you", o la inyección de insulina en "Pulp Fiction", con un montaje cuidado que no muestra en ningún momento la aguja clavándose en el pecho de Uma Thurman, escenas que en el espíritu de "Kill Bill" hubieran tenido mucho mas innecesario Gore.

La música paso de ser representativa de la época a ser marca registrada: otra vez, la increíble y nunca tan bien selecta música para marcar a fuego una década y definir con su banda de sonido toda una generación, dejo de tener sentido en si mismo y paso a ser otra marca registrada, llevada al extremo en "Inglourious Basterds" con una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial y una banda sonora en algunos momentos totalmente inconexa, que nos recuerda a Tarantino pero nada tiene que ver con el momento temporal de la película, quedando mas como una advertencia de que estamos viendo a Tarantino que otra cosa. Las bandas de sonido de sus primeras tres películas son imborrables, recuerdos que quedan grabados como parte de una época, personajes y escenas que es imposible desasociar unos de otros. Difícilmente se podrá recordar algo de la banda sonora de "Ingloriuous Basterds" con su mezcla adultera de banda sonora mexicana y judíos descuartizadores de nazis.

Paso de seguir poniéndome espeso con este análisis, resumiendo que aunque la película es buena, la impresión que deja es que presenta a un realizador demasiado convencido de si mismo, que obviamente sabe que su marca registrada vende y seguirá vendiendo, con lo cual, el resultado es una película manufacturada en vez de una película realizada con la pasión que es imposible no ver en sus únicas, irrepetibles y brillantes "Reservoir Dogs", "Pulp Fiction" y "Jackie Brown", tres eventos imprescindibles del mejor cine de la década de los '90.

Neil Blomkamp's "District 9" (2009)

District 9 es la opera prima de un tal Neil Blomkamp, que vino de la mano de Peter "Lord of the Rings" Jackson como productor, mentor y padre ideológico. Película de ciencia ficción narrada principalmente en tono documental, nos presenta una millonada de alienígenas que luego de quedarse varados en su nave de tecnología avanzadísima en el medio de una ciudad africana son evacuados y asentados en una villa de emergencia para extraterrestres... y esto recién empieza...

El guión es una masa amorfa inaceptable, que no soporta ningún tipo de análisis ni busca tener ningún tipo de explicación coherente, haciendo de la explicación tonta en dos o tres palabras, su recurso mas usado. Citar sus fallos es una tarea titánica que no estoy dispuesto a llevar adelante, pero si voy a enumerar algún que otro fallo que aun recuerdo (mi cerebro ya ha eliminado gran parte de la película como mecanismo de auto preservación):

La nave alienígena se queda varada, supuestamente por falta de energía, pero por suerte no se cae, sino que queda flotando en el aire por mas de veinte años, menos mal, sino, nos quedábamos sin película. Los alienígenas tienen tecnología altamente avanzada y un armamento incomparable al humano, sin embargo, viven en una villa de emergencia hecha con chapas y comen basura. Los alienígenas cambian armamento que solo ellos pueden usar (porque esta genéticamente preparado para su ADN... ¿viste?) por comida para gatos, algo que les fascina tanto, tanto, tanto, que cambian cien latas de comida de gatos a un clan nigeriano, por un robot de guerra que escenas mas tarde nos demuestra que es capaz de cepillarse al clan nigeriano y a medio ejercito en pocos minutos. La total y absoluta estupidez alienígena es explicada con la inaceptable y aberrante solución de dos palabras de decir que "son obreros", totalmente inaceptable.

El problema de esta película y lo que hace que sea imperdonable, es que a diferencia de un "Independence Day" o "Armaggedon", presenta la mas tonta de las ciencias ficciones en plan serio, queriendo hablar de temas como el apartheid de una manera que millones de personas estén interesadas en escucharlo. Pero claro, lejos esta de plantear cualquier cosa dignamente, el tratamiento que hace de un tema serio de manera tan burda, hace que sea insultante la posible referencia.

Lo mas lamentable, es que esta película fue un éxito y lo seguirá siendo. Su mezcla de documental-ciencia ficción creo que la volveremos a ver repetida en próximas producciones similares. En algún momento tendremos la seguramente épica District 10 y quien dice 10, dice 11. Igual en la 11 nos paramos, porque trilogía ahora es algo digno y respetado. Ya hacer cuatro películas es de franquicia tonta, pero trilogía es algo serio.

Por suerte dura dos horas, podría haber sido mucho peor, recordando la interminable King Kong de Peter Jackson.

Juan José Campanella's "El Secreto de sus Ojos" (2009)

El Secreto de sus Ojos es el orgullo del año 2009 para el cine argentino, ultima producción de Juan José Campanella, uno de los realizadores mas renombrados de la actualidad argentina, autor de la coproducción argentino-española "Vientos de Agua", director de una ya cuantiosa lista de películas entre las que destaca principalmente "El Hijo de la Novia", muy aclamada allá por el año 2001.

Este filme fue acompañado incondicionalmente por el publico argentino como suele ocurrir todos los años con una producción que destaca como emblemática de la producción nacional. La critica fue unánime, el publico también, por suerte este "fenómeno social" de éxito unánime y acompañamiento por parte del publico ocurre todos los años con alguna producción nacional, por lo cual, podemos restarle importancia.

"El Secreto..." nos presenta el Darin "for export" al que ya estamos acostumbrados, con sus ojos caídos y su ilimitada fuente de inspiración actoral para decir "boludo" en todos los tonos y de todas las maneras posibles, algo así como la marca registrada yanqui del "fuck" pero en versión argenta. Lo acompañan Soledad Villamil en quizás su papel mas valiente (aunque igual de aburrida y seca que siempre, como nos tiene acostumbrados) y se suma Guillermo Franchella, emblema nacional del humor básico.

Pero Campanella logra algo impensado y la película escena a escena empieza a demostrar que el todo es muchísimo mas que la suma de sus partes. Mezcla adultera de thriller psicológico en código de humor argentino, la película entra en un "in crescendo" de secuencias memorables, algunas gloriosas como el análisis de Franchella de la mente del supuesto asesino del crimen brutal que se nos presenta al principio del filme y llegamos, pasada la primera mitad del filme a la mejor secuencia de esta producción.

Todo empieza con una panorámica en helicóptero del estadio de Racing, que pasando por la filmacion de una jugada de fútbol sin cortes llega a depositarse (corte oculto de por medio) en la popular del estadio, enfocando en primerísimo plano a Darin, quien, acompañado por Franchella emprenden en la cancha una persecución increíble, que sin duda es el recuerdo imborrable de esta película, que hasta este momento logra convertir un guión cuestionable y los códigos argentinos en Puro Cine.

Pero así como la primer sorpresa de esta película se la lleva el grato e inesperado cine que supera todos los códigos ya agotados del cine argentino (y del mismo Campanella), tenemos la segunda sorpresa que pasa a ser chasco. Acto seguido a la mejor secuencia de la película, nos escupen la peor escena, con un interrogatorio al presunto criminal que requiere un párrafo aparte.

Darin intenta "quebrar" al supuesto asesino, a lo que Soledad Villamil se rehúsa por no cumplir con lo mas estricto (y aburrido, como ella) de la ley. Ahora todo tiene un limite, y este supuesto asesino con cara de Rain Man con la H1N1 encima, mira el escote de la Villamil, y ahí ya esta, se pudre el rancho. La Sole tira toda la carne al asador y en plan Tom Cruise Vs. Jack Nicholson en "Cuestión de Honor", empieza a cuestionar la virilidad del criminal con toda clase de improperios argentos dignos de un espectáculo de revista con Jorge Corona y (si no me equivoco), luego de espetarle un "vo' que vas a hacer con ese maní quemado que tene'!", y como es lógico ¿?, el criminal quiebra y estalla en plan "Truth? You can't handle Truth!" y le dice a la Soledad todas las cosas que le haría con su cacahuate chamuscado.

Un horror... todo lo que la película era, se pierde y cae en lo de siempre: sentimentalismo barato de alto voltaje campanelloso, costumbrismos argentinos, el chiste burdo, el final del genero "no te puedo creeeeer!" que tan famoso se hizo con "Seven" (AKA "Pecados Capitales") y las inevitables referencias a la Argentina del 75-77. Lo de siempre, como siempre.

¿Se podría decir mas de esta segunda parte? Sin duda, pero no hay nada interesante de que hablar.

Tobe Hooper´s "The Texas Chain Saw Massacre" (1974)

El cine norteamericano ha sabido crear subgéneros en su historia que definieron, en el imaginario colectivo, lo que éste es capaz de ofrecer. Lamentablemente, ésta es una impresión errónea, ya que entre las producciones norteamericanas encontramos una buena parte de lo mejor que el cine nos puede ofrecer, sin embargo, es un hecho que entre las creaciones estadounidenses (y principalmente de Hollywood) encontramos subgéneros que solo ellos han sabido reinventar, explorar y explotar hasta el agotamiento.

Ejemplos indiscutibles podrían ser Steven Spielberg's "Jaws" (1975), "Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark" (1981), "E.T." (1982), Ridley Scott's "Alien" (1979), Don Siegel's "Dirty Harry" (1971), George Lucas "Star Wars" (1977) y un interminable etcétera que tiene en común una década de experimentación basada en la exploración de una idea o concepto con alta calidad de realización a bajo presupuesto y grandes éxitos de taquilla.

En general, estos subgéneros tuvieron su origen en una película única e irrepetible que les dió vida, para luego dejarnos con una descendencia de lamentables e innumerables hijos bobos: secuelas repetidas hasta el hartazgo, copiando el modus operandi de su precursora, garantizando una falta total de creatividad y originalidad, dándonos un cine iterativo y estúpido, y por supuesto, con importantes recaudaciones de taquilla.

"The Texas Chain Saw Massacre" es otro ejemplo indiscutible de esta idea. Sus 84 minutos de proyección son el principio del cine de "slayer" o: asesino corpulento de pocas palabras y mucha mala hostia que con elemento contundente, preferentemente filoso, extermina de la forma más sangrienta posible a su conjunto de victimas N-1, siendo 1 comúnmente la adolescente de curvas pronunciadas, preferentemente rubia, que es capaz de escapar una y otra vez de su perseguidor a fuerza de gritos y planos en contrapicado de su mini-short.

Otro merito que esta película tiene es su realización, con un presupuesto de solo USD 140.000 y un tiempo de rodaje de 4 semanas, es la máxima expresión de cómo lograr tanto con tan poco. Su director supo aprovechar con tanta maestría su limitado presupuesto, para lograr un tono único y aun hoy vigente, que luego de revisar toda la filmografía de este realizador, podemos caer en la única hipótesis que se ha debido a la pura y absoluta CASUALIDAD.

Más allá del análisis como precursora del genero, su acotado presupuesto y su excelente realización, esta película tiene un merito que, considero, va por delante de los anteriores, y aunque claramente se deba a su realizador, creo que también la casualidad y una serie de eventos afortunados supieron darle a esta película el tono adecuado que la hace única. Por ejemplificar, y obviamente sin comparar, Michael Curtiz "Casablanca" (1942) tuvo el beneficio de la casualidad para ser la gran película que es y, quizás, sin todas sus desafortunadas circunstancias de filmación, no hubiera sido más que otro de los innumerables romances de Hollywood.

El mérito que veo en esta película es que, como filme de terror, supo tener un inmejorable tono de pesadilla. En sí, creo que nuestro primer contacto con el cine de terror son nuestros propios sueños, al fin y al cabo, cada uno de nosotros es el mejor realizador posible para nuestras mejores (o peores) pesadillas.

Así, de principio a fin, se nos presenta un guión inconexo, en que únicamente el suspenso por si mismo conecta una secuencia con otra. Cinco adolescentes emprenden un viaje de fin de semana, sin más razón aparente que dos parejas viajando en furgoneta acompañadas de un minusválido. El grupo se nos presenta con una escena del minusválido descendiendo a orinar en el medio de la carretera, que luego de inexplicable situación, cae colina abajo ¿? Acto seguido y luego de pasar por un matadero nauseabundo, suben a la furgoneta a un hombre que estaba haciendo dedo en la carretera. Plano seguido vemos al viajero maltrecho, salido de un cuadro de Hieronymus Bosch, que roba la navaja del minusválido, se corta la palma de la mano, enseña a nuestros atónitos adolescentes una navaja que tenía guardada, le saca una foto al minusválido, al que se la quiere vender por dos dólares, quema la fotografía en ritual vudú, saca su navaja, corta el brazo del minusválido y es echado de la furgoneta para finalmente dejar unas escrituras con su propia sangre en el costado de la camioneta y danzar de manera espástica. Resumiendo, la película es una inconexión de eventos, ligados únicamente por el evento inmediato anterior.

Esta inconexión, que tiene un inicio abrupto y un final tajante, son todo lo que una pesadilla suele tener de argumental y no por eso nos es menos agobiante o eficaz. Así, como pareciera que una pesadilla no tiene más objetivo que provocarnos angustia, esta película no tiene más objetivo que llevarnos directamente a una masacre en Texas, motosierra mediante.

Como en otras películas de esta época, el bajo presupuesto y la falta de efectos digitales requería de una buena dosis de imaginación, que Hooper logra con un suspenso destacable sostenido en todo el filme, una fotografía impecable y una banda sonora agobiante. Las interpretaciones, aunque cuestionables en algunos casos, son todo lo que la película necesita, no hay argumento, hasta no hay casi correlación geográfica entre los lugares visitados, se suceden una y otra vez los mismos lugares, de manera circular, sin coherencia entre las distancias y sin propósito, nos daría la sensación de que estamos en un pueblo en el que lo único que existe es un grupo de adolescentes escapando de una familia de caníbales.

Al igual que ellos, y al igual que en nuestros sueños, no podemos salir de esa iteración dedicada únicamente a provocarnos angustia.

En resumen, los puntos que podrían considerarse “débiles” en la película, no hacen más que fortalecer su conjunto, invirtiendo toda su energía en el horror por sí mismo, sin aclaraciones que aquí, serian innecesarias. Por lo menos en mi caso, mis pesadillas no pierden tiempo en explicarme, con un raconto en blanco y negro, como de niño, el señor de la máscara de piel humana decidió dedicarse al seccionamiento de adolescentes, al estilo motosierra, luego de haber sido burlado y rechazado en un partido de baloncesto de la preparatoria.

"YO, ÑOÑO": UMO's Wallpaper

Graffiti de Madrid. Wallpaper oficial de "Una Mente Ociosa".

"YO, ÑOÑO": Sera el mejor... pero no compila.

Con este post, considerese formalmente inagurada la seccion de variedades "YO, ÑOÑO".

Takeshi Kitano's "Glory to the Filmmaker!" (2007)

Este filme corresponde a la segunda parte de la trilogía introspectiva presentada por el nipón Takeshi Kitano: "Takeshis'" (2005), "Glory to the Filmmaker!" (2007) y "Achilles and the Tortoise" (2008). Nos presenta la crisis creativa de un realizador de cine, el propio Kitano, quien quiere recuperar sus pasados éxitos de taquilla y esta buscando encontrar la idea para su próximo filme.

Con una estructura de secuencias cortas de un filme tras otro, pasando por distintos géneros y guiones, Kitano se toma su tiempo para reírse de los géneros estereotipados y su imposibilidad de salir de su ya encasillado y exitoso cine de yakuzas. Las primeras secuencias, logran el tono correcto y nos presentan una historia de clase media y dramas familiares titulada "La Jubilación", quizás lo mas brillante que esta película tiene. Le siguen historias de amor entre una adolescente despampanante que se enamora de un hombre mayor que perdió la memoria, otra con la misma adolescente y el mismo hombre mayor, pero esta vez ciego, todas, un excelente ejercicio del cinismo.

Pero por esta parte, vamos solo 20 minutos de filme, y la gracia, pasa a broma de mal gusto, con un drama de violencia familiar desde los ojos de un niño. Igual hasta aquí, y con poco mas de media hora de proyección, sigue funcionando el espíritu de la autocrítica y el análisis de la crisis de creatividad del realizador, presentándose a si mismo como el propio Kitano y como un muñeco que hace las veces de su doble para situaciones poco felices.

Y luego, pasando por una secuencia de cine de terror, que burla todo lo que ya se burló de las películas de "slayer", llega el supuesto genero de ficción, con un segmento que ocupara la hora restante de proyección.

Tengo que decir que mi capacidad de asombro fue puesta a prueba por este nipón. Durante la siguiente hora, el cine de este señor es un salivazo de 60 minutos a la cara del espectador. Me sentí insultado tanto como espectador, así como seguidor de la obra de Kitano.

Lo que sigue, no es una autocrítica o introspección, es un abuso de ego, es una demostración de autosuficiencia de un realizador que se cree en el derecho de insultar a sus espectadores con una hora de absurdo surrealista y aun así mantener su estirpe de realizador reconocido. Se nos presenta una hora de supuesto humor y sátira, con largos guiños al manga (no al anime por favor, gracias), con un surrealismo brutal y un absurdo constante, que no solo no entretiene, sino que hace que la gracia que paso a ser mal gusto, sea pura y exclusivamente insultante. Una burla de un minuto es graciosa, una burla de una hora, es un insulto, un agravio.

Y me siento agraviado no por el absurdo, sino porque durante una hora, este nipón no hace mas que poner imágenes estúpidas, sin sentido, chistes ya repetidos hasta el hartazgo (hasta lo tenemos a Neo esquivando balas en slow-motion...), humor manga y montajes inconexos que hacen de la hora restante, algo insufriblemente estúpido, que no llega ni al absurdo. Respeto el absurdo, pero no la estupidez.

Pero la vida misma es tan estúpida y/o absurda como el filme, y en su estreno en el festival de Venecia en 2007, esta película genero la creación de un nuevo premio, que se titularía homónimamente "Glory to the Filmmaker!" para "personalidades que dejaron una marca en el cine contemporáneo" según nos dicen. Destacando que luego de recibirlo Kitano, obviamente en el año de su creación, este año fue recibido por Stallone. La ironía del conjunto es digamos, superlativa.

Sin dedicarle más tiempo a una película que perfectamente podría ser proyectada en el infierno, que según Borges, es la imposibilidad de pensar, trataré de olvidar lo antes posible esta DIARREA CREATIVA de Kitano, y me quedaré con el recuerdo de sus increíbles "Hana-bi" (1997, AKA "Flores de Fuego") y Zatoichi (2003).

From Hell to London, DIA 2

[Antes de leer este post, leer "From Hell to London, Introducción"]

[Antes de leer este post, leer "From Hell to London, DIA 1"]

[Link a mapa compartido en Google Maps]

Sin preámbulos innecesarios, damos por iniciado nuestro segundo y ultimo día turístico. Siguiendo la misma temática, y repasando un poco nuestro olvidado pentagrama, ya hemos recorrido Cleopatra's Needle (F), St George Bloomsbury (D) y St Luke Old Street (C). Ahora será el momento de recorrer el resto de los sitios itinerantes de nuestra cuestionable empresa, que son: Christ Church Spitafields (J), St George in the East (H), St Anne Limehouse (I) y su epicentro en St Paul’s Cathedral (K). Omitiremos en nuestro viaje los lejanos y poco interesantes Earl's Court (E), King's Cross Station (A), London Fields (B) y Herne's Hill (G).

Sin más, ya desayunados, empezamos nuestro domingo de turismo despreocupado y feliz en:

Spitafields Market

Ultimo de los mercados londinenses a ver, otra visita obligada a realizar. Mercado techado con infinidad de tiendas de ropa, accesorios, decoración de diseño, cosas chulas, puestos de comida y bares, tiene también en sus "suburbios" puestos en la calle, donde se podrán conseguir todo tipo de mecheros con luz (y sonido), baratijas inútiles y calzoncillos de dudosa calidad, todo por un pound. Sugiero una estancia tranquila, sin pensar en todo lo que queda por recorrer, ya que después tendrán varias horas de Hawskmoor por delante. Saciado el apetito consumista, emprendemos nuestra retirada para toparnos inmediatamente con la opresiva fachada de:

Christ Church, Spitafields

Suponiendo que nuestro cordial destripador hubiera tenido que elegir una zona para cometer los asesinatos, basado en sus iglesias, es un hecho que ésta sería su elección. Con una fachada desproporcionalmente alta en relación al ancho total de la nave de la iglesia, tiene una presencia imponente. Al final del recorrido, volveremos a pasar por esta zona, con alguna excusa, para volver a verla ya entrada la noche, que la hace mas siniestra aún.

Vale la pena entrar, para ver la desproporción entre la importancia que el arquitecto dio a su interior respecto a su fachada, y también para prestar atención como Hawskmoor logró darle tanta presencia a su construcción, con muy pocos recursos estéticos. Además, en su interior podremos obtener por la módica suma de 50c unos cuantos folletos sobre este señor y sus iglesias, para que puedan hacer lo que siempre quisieron hacer: conocer más y más sobre Hawskmoor.

Visto lo visto y tildado nuestro punto (J) en el pentagrama, seguro que inmediatamente terminen esta fascinante visita, estarán pensando en una sola cosa: "Quiero mas Hawskmoor, y cuanto mas lejos queden sus iglesias de las que nadie habla y que a nadie interesan, mejor. Quiero recorrerme medio Londres para ver sus iglesias, caminar por el borde de las vías del DLR, pasearme por todo suburbio yonki que pueda, todo con tal de seguir viendo las creaciones de Hawskmoor."

Y sus deseos, serán satisfechos. Emprenderemos nuestra caminata por el borde de las vías del DLR, pasaremos por unos cuantos suburbios de felices habitantes con quienes aconsejaría no tener contacto visual, para llegar a nuestro destino de:

St George In The East

Esta iglesia, punto (H) en nuestro pentagrama, al igual que la próxima que visitaremos, están bastante alejadas del centro de Londres. Quizás el silencio y la tranquilidad de la zona, sumada a la falta absoluta y total de turistas, da un ambiente mas autentico a esta iglesia, mucho mas voluminosa que las vistas anteriormente. Su torre, rematada con un hexágono de columnas un tanto agresivas, es otro avistamiento fabuloso en la obra de Hawskmoor. Durante el Blitz, esta iglesia sufrió un impacto directo que destruyó todo su interior dejando únicamente intacta la coraza exterior, posteriormente, se construyó en su interior una nave mas pequeña que lamentablemente no pude ver, por estar cerrada esta tan poco visitada iglesia.

Aprovechamos la tranquilidad para caminar por los parques internos de la iglesia, disfrutando de las lapidas circundantes, para luego emprender nuestra búsqueda de cualquiera de los autobuses 15, 115 o 135 en dirección a Limehouse Town Hall. Luego de descender, caminamos unos metros por Newell St. hasta llegar a:

St Anne's Limehouse

Ultima de las iglesias de Hawskmoor que visitaremos, similar a la construcción de St George in The East y aunque también interesante de ver, no llega a la altura de las visitadas anteriormente. Quizás sus parques si son más interesantes, con mucha vegetación, alguna que otra tumba, lapidas todo en torno a las paredes externas del recinto y un feliz obelisco obeso oculto detrás del tronco de un frondoso árbol. Esta sucesión inconexa de impresiones es lo mas sincera posible, sépanlo. Estar ahí tiene tan poco sentido como contarlo. Y tildando el punto (I) en nuestro pentagrama, damos por concluidas nuestras visitas en lo que a Hawskmoor se refiere.

De aquí, y autobús 15 mediante, nos dirigimos a nuestro próximo destino, aprovechando la media hora de viaje para un buen descanso antes de pasar a las interminables escaleras de:

St Paul's Cathedral

Epicentro (K) de nuestro pentagrama, será la última vez que el mismo sea nombrado. Sin duda uno de los 10 sitios a visitar de Londres para absolutamente toda guía turística y aunque muy disfrutable desde su exterior, vale la pena pagar los mas de 10 pounds de entrada para ver su cúpula desde el interior y para disfrutar de los 538 escalones que nos llevaran al punto mas alto de esta catedral, desde la cual tendremos unas increíbles vistas londinenses, que trataremos de convencernos, justificaron tremenda paliza de escalinata.

Durante el ascenso, tenemos tres niveles distintos, el primero de ellos interno, en el que podremos recorrer la parte interior de la base de la cúpula. Luego, un segundo nivel intermedio exterior, donde a media altura de la cúpula podremos recorrer toda su circunferencia, con pasillos más espaciosos y tranquilos para sacar unas fotos y sentarse un rato a disfrutar de la vista. Y finalmente el nivel superior, en la punta de la cúpula, con un pasillo mínimo colmado de turistas que en su mayoría no disfrutaron del ascenso y que solo para justificar el esfuerzo que han hecho, se quedan con la mirada perdida impidiendo la circulación de gente por la ínfima circunferencia de este ultimo paraje.

Comentarios innecesarios aparte, vale la pena la visita y si no estamos interesados en quedarnos viendo el museo de la catedral y demás cosas que inexplicablemente interesan a tantos turistas que no se interesan por nada que no este en las guías Michelin, emprendemos nuestra caminata hacia:

Monument

Otro de los sitios visitados por Dr. Gull y Netley en nuestro libro de cabecera, es una interminable columna cuyo único e injustificable objetivo, es sostenerse a si misma. Monumento construido para conmemorar el Gran Incendio de Londres en 1666, cuenta en su interior con 311 interminables escalones que nos catapultaran a otra interesante panorámica de Londres a casi 50 metros de altura. Si soportamos el ascenso, vale la pena hacerlo, ya que por la módica suma de 3 pounds tendremos una impecable vista del Tower Bridge, del río Tamesis y de los alrededores londinenses.

En este momento, de algo podremos estar seguros, ya tuvimos suficiente de escaleras y de Hawskmoor. Así que nos permitimos un descanso en el primer pub que encontremos para luego emprender una de nuestras últimas caminatas a:

Tower Bridge

Aquí, ya a criterio del consumidor, se podrá caminar por el borde del Tamesis, pasar de largo el infierno turístico de Tower of London y desembocar en el Tower Bridge, que es una obligación recorrer en toda su extensión. Esta zona es por demás turística y en toda guía se encontrara todas las exposiciones, museos, visitas guiadas y demás itinerarios. A este servidor le basto con disfrutar la caminata y pasar de largo toda acumulación cuasi-ordenada de turistas ávidos de exhibiciones.

Ya para estos momentos, estará anocheciendo y si el tiempo que nos queda en tierra londinense nos lo permite, podríamos ir a cenar al barrio hindú de:

Brick Lane St.

Es el barrio hindú. Los hindús no me gustan. Pasamos a:

The Ten Bells

Y finalmente, terminamos nuestra visita con una pinta de cerveza en mano, en el bar que era punto de reunión de todas y cada una de las señoritas de vida alegre destripadas por nuestro insigne destripador destripante. Este bar, desde cuyas ventanas podemos disfrutar la cercanía inmediata de Christ Church, fue un hito en toda la cultura de Jack, ya que tanto las mujeres asesinadas, como sus conocidos, frecuentaban este bar, donde se hicieron rondas de interrogatorios y demás. Por lo general, antes de la cepillada correspondiente, "el ultimo lugar donde se vio con vida" a las desolladas señoritas, fue aquí.

En su interior, podemos apreciar un ambiente calido, brindado por sus paredes, que mantienen las mismas manchas de humedad que hace mas de un siglo, sus sillones, artísticamente destrozados y estéticamente sucios y sus ventanales haciendo juego. Si pasamos por aquí, por la noche, el ambiente no es el que se puede suponer con lo que digo: tendremos cientos de humanoides tomando una pinta en su interior, y otros tantos en la vereda y podremos disfrutar de un muy buen ambiente, aunque un tanto hacinado.

Y pinta de por medio, damos por concluido este recorrido que supongo nunca nadie hará, pero que yo volví a disfrutar escribiendo y recordando.

From Hell to London, DIA 1

[Antes de leer este post, leer "From Hell to London, Introducción"]

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Antes de empezar con el recorrido, un check-list de los preparativos iniciales. Primero y principal, un Full English Breakfast en uno de los innumerables pubs de Londres, que incluirá: huevos fritos, panceta, salchichas, judías y vegetales varios acompañado con pan tostado y una importante taza de café con leche. Después de comer esto, el cuerpo simplemente no sabe que paso, la sensación de mareo y tristeza existencial profunda momentánea es completamente normal, no se preocupen.

Otros indispensables: pase de autobús y metro, dinero en la forma de pounds, una buena cantidad de Pins para mantener el espíritu londinense cerca de nuestro corazón y una estampa de su alteza La Reina.

Consideraciones adicionales: los ingleses van en sentido opuesto al del resto del mundo, su transito incluido, con lo cual, donde se debería mirar a la derecha, mirar a izquierda, y viceversa. Sin importar cuanto uno lo intente, en algún cruce peatonal te vas a equivocar y te van a dar la hostia de tu vida, así que mejor, siempre mirar a ambos lados antes de cruzar y punto pelota. Los pubs londinenses son claramente distinguibles por tener plantas con flores de colorines colgadas a media altura, nunca este humilde servidor se intereso tanto por la flora autóctona. Siempre que se pueda, es preferible el autobús al metro, ya que casi todos tienen doble piso y en la parte superior un ventanal frontal desde el que se disfruta mucho la ciudad mientras se viaja.

Sin mas consideraciones de dudosa utilidad, iniciamos el recorrido en:

Cleopatra's Needle

Este obelisco de mas de 3500 años de antigüedad, esta tapado casi en su totalidad por andamios ya que esta indefinidamente en reparación. Ubicado al borde del río Tamesis, es uno de los puntos turísticos mas significativos de Londres. Según la publicación "El Viajero Despreocupado y Feliz", es el tercer lugar mas visitado en Londres, superado únicamente por el Big Ben y la Tower of London. Sus andamios y el follaje de crecimiento descontrolado a su alrededor, hacen de este avistamiento algo significativamente lamentable. Este obelisco, signo fálico representativo de la adoración al Dios Sol es uno de los puntos en nuestro pentagrama londinense (F). Superado este paupérrimo prologo a nuestro recorrido, nos dirigimos caminando a:

Covent Garden

Mercado londinense techado de dos plantas, lugar ideal para desayunar si aun no se ha hecho, vale la pena verlo definitivamente. Un mercado es un mercado y mucho no se puede decir de el. Agotado el interés por sus tiendas, pubs y terrazas, podemos seguir nuestra caminata a:

Neal's Yard

Patio interior de colores prominentes, tiene unos cuantos bares con muy buenos zumos naturales y comidas "livianas", dentro de lo liviano que un Full English Breakfast puede ser. Olvidando ya el turismo gastronómico, caminamos unos metros mas y nos encontramos con:

St George Bloomsbury

Primera de las iglesias de Nicholas Hawksmoor a visitar, es otro punto en nuestro pentagrama (D). Esta iglesia, al igual que todas las demás, carente de cualquier símbolo religioso a los que estamos acostumbrados, esta atrapada entre edificaciones aburridamente actuales. Aun así, es muy interesante de ver, principalmente por su portal de enormes columnas y por contar felizmente con un obelisco en lugar del típico campanario como remate de la torre de la iglesia al que estamos acostumbrados. Por si fuera poco, agregamos dos siniestros grifos rodeando al obelisco, para que nadie tenga dudas de que estamos ante una iglesia ¿?

Agotada nuestra visita, buscamos la parada mas próxima del autobús 55 en dirección a Old Street Station. Si no se ha disfrutado antes, será la primer ocasión para disfrutar del excelente servicio de autobuses públicos de Londres. Antes de llegar a Old Street, bajamos del autobús para visitar:

St Luke Old Street

Caminando desde la dirección en que vinimos, ya a lo lejos se puede ver sobresaliendo de las copas de los árboles el obelisco de St Luke's. Iglesia con una nave muy rudimentaria, Hawksmoor fue el responsable de diseñar únicamente su torre... y se nota. El señor decidió que si esta iglesia necesitaba algo, era un obelisco, así que planto encima de su diminuta torre, un obelisco que fácilmente duplica la altura total de la nave. Mas allá de cualquier interpretación de las que se vienen comentando, es un hecho que las iglesias de este señor son algo diferente, y aunque haya o no interés en su simbolismo y significado, tienen un aura siniestramente particular. Terminada la sesión de fotos correspondiente, tildamos otro punto de nuestro pentagrama (C), y alegrando un poco el tono de nuestro recorrido, nos vamos caminando a:

Bunhill Fields

Este pequeño cementerio, situado en medio de la ciudad cual parque recreativo, es ideal para una tarde de picnic en familia. Los niños principalmente disfrutarán de corretear las ardillas locales por entre medio de las tumbas mohosas de este agradable paraje. Si tenemos suerte, además de avistar alguna ardilla juguetona, podremos encontrar algún drogadicto autóctono. Antes de emprender nuestra retirada, nos obligamos a pasar por la tumba de William Blake, que esta justo al lado de la tumba de Daniel Defoe, fácilmente distinguible por su... obelisco. Este punto, aunque no forma parte del pentagrama, si es uno de los lugares visitados por Dr. Gull, así que con la mejor de nuestras sonrisas nos sacamos una foto junto a la tumba del insigne poeta y seguimos con el recorrido.

De aquí, caminamos hasta Old Street Station para conocer por primera vez el metro londinense. Tomamos la línea Northern y nos bajamos en el zoológico humano de:

Camden Town

Bienvenidos a uno de los mercados freak más grandes que podremos encontrar. Si usted, señora o señor, necesita tunearse en plan heavy, darky, punky, friky, o cualquier otro tipo de alineamiento ideológico-vestimental, este es el mercado que debe visitar. Ya de por si interminable, es una sucesión inagotable de puestos de ropa, accesorios, vinilos, dvds, chucherías, bolsos, chaquetas y cosas que simplemente este humilde servidor nunca supo que eran (menos para que servían).

Un lugar que mas allá de los gustos particulares de cada uno es un “si o si” a ver en Londres, tiene el aporte adicional de una cantidad interminable de chiringuitos con comidas de todo tipo, cuya “regionalidad” es cuestionable, al menos el chiringuito de argentina poco tenia de comida argenta, pero vamos, que de cualquier manera se puede disfrutar una comida al paso mientras se visita el mercado. Como sugerencia adicional, una pinta de cerveza en algunas de las terrazas al borde del “rio”, más bien digamos un pequeño canal, es totalmente adecuada para luego continuar con las próximas horas de nuestro recorrido.

Agotado nuestro interés por el interminable Camden Town, la forma más rápida de llegar a nuestro próximo destino será tomar nuevamente la línea de metro Northern hasta Waterloo Station. Si se prefiere bus, búsquense la vida. Una vez hemos llegado a Waterloo Station, miramos hacia arriba en su búsqueda y caminamos hacia:

London Eye

Para estas horas, ya será por la tarde, y habiendo caminado lo suficiente, el descanso del vuelo del London Eye no vendrá mal. Como dato, es preferible comprar las entradas anticipadas (sin fecha fija) así una vez llegamos, tenemos que únicamente ir a la ventanilla de canje y no hacer la interminable fila de turistas sedientos de desorden. London Eye es una estructura descomunal, básicamente con la forma de una atracción de “vuelta al mundo” típica de un parque de diversiones, pero bestialmente mas grande. El “vuelo” es un recorrido de aproximadamente 30-40 minutos alrededor de toda su circunferencia, en una cabina desde la que tendremos las mejores panorámicas de Londres.

Aunque todas las vistas desde aquí son interesantes, las más destacables son las del Rio Támesis (ya que este artilugio se encuentra justo sobre el rio), el County Hall que lo tenemos a nuestra izquierda y lo mejor de todo, las vistas del Parlamento (Big Ben incluido) que dado su innecesariamente bestial tamaño, es imposible apreciar desde tierra firme.

Luego de nuestra media hora de relajo en la que únicamente tuvimos que sacar fotos y sentarnos a disfrutar la vista, salimos del mar de turistas del London Eye y nos encaminamos a:

Westminster

Paso de hablar de Westminster, absolutamente cualquier guía turística de Londres va a tener todo lo que hay que visitar aquí, Parlamento, Big Ben, Westminster Abbey y un largo etcétera. A criterio del consumidor, agotado el interés que tengamos por Westminster vamos en búsqueda del autobús 24 en dirección a Leicester Square para llegar a nuestro destino gastronómico:

Chinatown

“Forget it Jake, it’s Chinatown…” Dado que su nombre condensa todo lo que se puede decir de este barrio, agregamos un solo comentario. Se come muy bien, y a precio muy razonable, con lo cual, en nuestro viaje, en este momento estaríamos en el horario ideal para cenar y luego emprender nuestro camino en busca de unos pares de pintas a:

Soho

Zona de bares, pubs, restos y demás, esta mas que bien para pasar la noche en el plan que se quiera, el tiempo que se quiera, supongo que se podrían decir más cosas de todos estos lugares, pero la verdad que está todo dicho sea en guías turísticas o en Internet. De aquí, una parada técnica en Oxford Circus para ver sus pantallas de publicidades enormes y decir una vez mas “I was there”. Habiendo cumplido con todo lo que un día turístico debe tener, concluimos el recorrido del primer día, imagino que por demás agotados.