Casi todo el mundo ha visto "Natural Born Killers" en algún momento de su vida, sin embargo, propongo el siguiente ejercicio: todo el que no recuerde el SITCOM que nos presenta la adolescencia difícil de su protagonista Mallory Knox (Juliette Lewis) DEBE volver a verla. Esta secuencia es una obra genial de Oliver Stone y el principal exponente del mensaje de su película. Un ejemplo similar seria la obligacion de volver a ver Alfred Hitchcock's Psycho, si no recuerdan la escena en que Norman Bates hunde en el pantano del fondo de su casa al auto de la recién asesinada y universalmente famosa victima de la bañera. En esta escena, Hitchcock magistralmente nos obliga a simpatizar con el asesino, el suspenso pasa de estar relacionado a preocuparnos por la suerte de las victimas a que estemos pendientes de la suerte del victimario, una de las tantas razones por la cual Psycho es la gran obra maestra del cine de suspenso.
La primera vez que vi hace muchos años "Natural Born Killers" no me agradó. Rememorando como me había sentido al respecto, se me ocurrió pensar que en ese momento había intuido que Oliver Stone había jugado conmigo como espectador y me había obligado a simpatizar con una pareja de asesinos sin ningún tipo de remordimientos y que lo había encubierto con valores como el amor, la libertad y la voluntad para convencerme. El tiempo paso y días atrás volví a enfrentarme a esta película, para caer en la cuenta de que sí es una transgiversación de Stone, pero es muchísimo mas que eso.
Es un magistral ejercicio de la manipulación, pero al mismo tiempo y mayoritariamente, es la denuncia de dicha manipulación. Stone supo realizar una obra maestra y una de las mejores películas de la década del 90, que es causa y consecuencia en si misma. Nos manipula, nos enseña a manipularnos y al mismo tiempo denuncia la capacidad mediática para dicha manipulación.
Toda comunicación entre un transmisor y un receptor, tiene un lenguaje, protocolo y contenido. Para que una transmisión pueda ser posible, ambas partes aceptan un protocolo para dicha comunicación, acordando un mismo lenguaje y una vez conseguido este acuerdo, la información transmitida en su conjunto define el contenido. Recurriendo al absurdo, en informática, el lenguaje binario a través del protocolo de Internet puede enviar cualquier tipo de contenido, desde la novena sinfonía de Beethoven hasta una película porno. El medio de comunicación es el mismo, su contenido es el que varía.
Stone hace un ejercicio genial de las capacidades del lenguaje, entendiendo que una vez acordado el protocolo de transmisión entre realizador y espectador, cualquier contenido puede ser enviado, siempre y cuando se use el canal de comunicación y lenguaje preacordados. Así, y retomando lo comentado al principio, nos presenta en plan SITCOM, como comedia televisiva estadounidense de la tarde, como el padre de Mallory abusaba sexualmente de ella y como maltrataba física y psicológicamente a su familia. La audiencia rie, no porque lo que se cuente es gracioso, sino porque el lenguaje audiovisual esta ya preacordado, y siempre y cuando el timing sea el adecuado, se acepta el contenido de antemano.
Con esta película, Oliver Stone ha sido mas que brillante. Ha sabido adelantarse a lo que invariablemente iba a llegar y llegó. Convivimos con protocolos preacordados que permiten transmitir cualquier tipo de contenido a cualquier audiencia que, totalmente indefensa, los acepta por creer ciegamente en el medio de comunicación y no responsabilizarse por interpretar su contenido. Los realizadores hasta abusan de la fisonomía de la victima como parte del lenguaje para hacernos simpatizar o rechazar un asesinato. En el caso de "Natural Born Killers", Stone nos hace simpatizar con dos asesinos seriales sin ningún tipo de moralidad, dispuestos a cargarse a quien sea por unos minutos más de diversión. Los aceptamos y simpatizamos con ellos, porque Stone juega con nosotros dándonos una historia de amor, la búsqueda de la libertad y una reafirmación de la voluntad del individuo. Con esta película Oliver Stone es causa y consecuencia de su denuncia.
miércoles, 27 de enero de 2010
Werner Herzog´s "Bad Liutenant: Call of Port - New Orleans" (2009)
"Bad Liutenant: Call of Port - New Orleans" es la última producción de Werner Herzog, contando con un excelente Nicholas Cage en el papel de Terrence McDonagh, un policía esquizoide severamente adicto a las drogas, combinación perfecta de dos de las mejores interpretaciones de Cage: en Mike Figgis's "Leaving las Vegas" (1995) y David Lynch's "Wild at Heart" (1990). Con estas dos interpretaciones, Cage sentó precedente para que la elección que Herzog tuviera que hacer para este papel fuera casi inevitable.
Teniendo como escenario la ciudad de New Orleans, se presentan una serie de eventos desafortunados que tienen como protagonista al policía McDonagh. Las primeras escenas son un trazo preciso de la personalidad cínica de Cage y cómo, luego de tomar una decisión moral y éticamente correcta, aunque dudosamente desinteresada, accidentalmente sufre lesiones en la espalda que, medicación mediante, lo acompañarán el resto de su vida.
Luego, una asesinato de una familia de inmigrantes, un caso de tráfico de drogas, pandillas y mafiosos hacen de la película un inevitable exponente del cine policial, aunque es mucho mas que eso. Lo realmente interesante de este filme es como en código de cine policial y acción, toma la personalidad de Cage y hace una exploración psicológica de la adicción.
La mejor escena de esta película es la principal advertencia de que aunque estamos ante una brillante producción de acción, en realidad estamos viendo una obra maestra que explora y explota la personalidad del policía McDonagh para identificarnos con un sujeto con severos problemas de adicción a las drogas. La escena, obvia para el que vió el filme, involucra únicamente a dos iguanas en primerísimo plano filmadas con cámara en mano, espejismo de un Cage en segundo plano perdidamente drogado. Esta secuencia, está entre las mejores del cine del último tiempo, únicamente por esta escena, ya alcanza para justificar ver la película, si sumamos a esto un excelente policial y además, la lectura entre líneas comentada anteriormente, tenemos como resultado una de las mejores películas de este ultimo año.
Dado que este humilde servidor no cuenta con un historial de cocainómano, me limitaré a tomar el tabaquismo como ejemplo para desarrollar el tema de la adicción. Ciertas personalidades tienen predisposición a la adicción, la cual aunque no digamos que es genética, creo que sí se encuentra en los fundamentos psicológicos de nuestra personalidad mucho antes de estar en contacto con un agente adictivo. Esta predisposición esta latente hasta tanto un evento en nuestras vidas nos de una justificación moral para considerarnos necesitados de dicha adicción, en el caso de Cage, una supuesta decisión éticamente correcta lo deja lisiado de por vida, y empieza a recurrir a la cocaína como un agente regulador de su constante dolencia.
Su personalidad límite lo predispone a la autodestrucción. No en el sentido de negar su existencia, sino que él ratifica su existencia por la ruptura del status quo actual, y sin un motivo claro, busca sobrepasar los límites por el solo hecho de que existan como tal.
Al igual que un evento dispara la justificación a la adicción, se supone que otros eventos nos permitirán encontrar la justificación que decida nuestra abstinencia. En general, las convenciones sociales mayoritariamente aceptadas proponen que principalmente esto ocurre en ciertos momentos de nuestras vidas en los que nos ocurren cosas que se consideran parte de nuestro crecimiento personal: como encontrar al amor de nuestras vidas, nuestro hogar, formar una familia y/o alcanzar grandes logros profesionales. Quizás el cierre que da Herzog a su película es una declaración de intenciones, una carta abierta a sus espectadores de lo que verdaderamente opina al respecto.
Teniendo como escenario la ciudad de New Orleans, se presentan una serie de eventos desafortunados que tienen como protagonista al policía McDonagh. Las primeras escenas son un trazo preciso de la personalidad cínica de Cage y cómo, luego de tomar una decisión moral y éticamente correcta, aunque dudosamente desinteresada, accidentalmente sufre lesiones en la espalda que, medicación mediante, lo acompañarán el resto de su vida.
Luego, una asesinato de una familia de inmigrantes, un caso de tráfico de drogas, pandillas y mafiosos hacen de la película un inevitable exponente del cine policial, aunque es mucho mas que eso. Lo realmente interesante de este filme es como en código de cine policial y acción, toma la personalidad de Cage y hace una exploración psicológica de la adicción.
La mejor escena de esta película es la principal advertencia de que aunque estamos ante una brillante producción de acción, en realidad estamos viendo una obra maestra que explora y explota la personalidad del policía McDonagh para identificarnos con un sujeto con severos problemas de adicción a las drogas. La escena, obvia para el que vió el filme, involucra únicamente a dos iguanas en primerísimo plano filmadas con cámara en mano, espejismo de un Cage en segundo plano perdidamente drogado. Esta secuencia, está entre las mejores del cine del último tiempo, únicamente por esta escena, ya alcanza para justificar ver la película, si sumamos a esto un excelente policial y además, la lectura entre líneas comentada anteriormente, tenemos como resultado una de las mejores películas de este ultimo año.
Dado que este humilde servidor no cuenta con un historial de cocainómano, me limitaré a tomar el tabaquismo como ejemplo para desarrollar el tema de la adicción. Ciertas personalidades tienen predisposición a la adicción, la cual aunque no digamos que es genética, creo que sí se encuentra en los fundamentos psicológicos de nuestra personalidad mucho antes de estar en contacto con un agente adictivo. Esta predisposición esta latente hasta tanto un evento en nuestras vidas nos de una justificación moral para considerarnos necesitados de dicha adicción, en el caso de Cage, una supuesta decisión éticamente correcta lo deja lisiado de por vida, y empieza a recurrir a la cocaína como un agente regulador de su constante dolencia.
Su personalidad límite lo predispone a la autodestrucción. No en el sentido de negar su existencia, sino que él ratifica su existencia por la ruptura del status quo actual, y sin un motivo claro, busca sobrepasar los límites por el solo hecho de que existan como tal.
Al igual que un evento dispara la justificación a la adicción, se supone que otros eventos nos permitirán encontrar la justificación que decida nuestra abstinencia. En general, las convenciones sociales mayoritariamente aceptadas proponen que principalmente esto ocurre en ciertos momentos de nuestras vidas en los que nos ocurren cosas que se consideran parte de nuestro crecimiento personal: como encontrar al amor de nuestras vidas, nuestro hogar, formar una familia y/o alcanzar grandes logros profesionales. Quizás el cierre que da Herzog a su película es una declaración de intenciones, una carta abierta a sus espectadores de lo que verdaderamente opina al respecto.
martes, 19 de enero de 2010
Gus Van Sant's "My Own Private Idaho" (1991)
"My Own Private Idaho" es un interesante ejercicio en como retratar un instante específico en nuestras vidas. En este caso, el instante en que nos enfrentamos a pasar de la adolescencia a la adultez, como lidiamos con ello y como compartimos ese mismo instante en la vida de los que nos rodean.
Aunque la película presenta personajes marginales y extremos, jóvenes de 20 años inmersos en la prostitución y la vida callejera, no plantea su forma de vida como el tema a tratar, sino que más bien habla de las sensaciones y sentimientos de esa transición, del enfrentamiento a la adultez, y usa la caricatura de sus personajes como el medio para comunicarla.
Los protagonistas, ambos jóvenes, comparten su vida con otros pares en situaciones similares, y destaca entre ellos Bob, padre intelectual de todos, que fácilmente los duplica en edad, pero que al fin y al cabo es el más niño de todos. Mike (River Phoenix) es un joven que tuvo una infancia brutalmente compleja, sumido en la pobreza y con padres que no estuvieron allí para él. Scott (Keanu Reeves) es su reverso, nacido de una familia millonaria, su padre es el alcalde de la ciudad, y Scout se sabe inevitable heredero de una fortuna. Ambos, consideran haber tenido una infancia difícil, y como suele ocurrir, ninguno de ellos puede ponerse en la situación del otro.
Este filme es una colección sucesiva de impresiones, y tiene su principal logro en como las retrata. La ilusión poética adolescente de coleccionar frases elevadas, presentada en los diálogos de sus protagonistas, principalmente con Bob. El acercamiento a la sexualidad como algo inevitable pero al mismo tiempo poco placentero o hasta incluso desagradable, presentando las escenas sexuales como fotogramas de recuerdos fragmentados, trozos de un espejo roto en el que aún vemos nuestro reflejo. La decisión de afrontar la adultez como una decisión de cambio. La negación a la adultez como una cíclica repetición y vuelta a empezar, representada por la carretera con la que empieza y termina el filme. El anhelo del adulto de volver a su adolescencia. El anhelo del adolescente a ser adulto o al menos a ser reconocido por los adultos. El adolescente que se siente traicionado por su ex amigo, ahora adulto. El iniciado adulto negando la existencia de su ex amigo, aún adolescente.
En fin, esta deconstrucción no tiene ni pies ni cabeza, es solo una sucesión de impresiones, que, siguiendo el espíritu de la película, tuve intenciones de transcribir. Por último, algo que podría cuestionarse a esta película es su excesivo tono elevado y poético, quizás demasiado pretensioso, pero al fin y al cabo, ¿Quién, principalmente en su adolescencia, no ha visto su vida más poética y elevada de lo que realmente es?.
Aunque la película presenta personajes marginales y extremos, jóvenes de 20 años inmersos en la prostitución y la vida callejera, no plantea su forma de vida como el tema a tratar, sino que más bien habla de las sensaciones y sentimientos de esa transición, del enfrentamiento a la adultez, y usa la caricatura de sus personajes como el medio para comunicarla.
Los protagonistas, ambos jóvenes, comparten su vida con otros pares en situaciones similares, y destaca entre ellos Bob, padre intelectual de todos, que fácilmente los duplica en edad, pero que al fin y al cabo es el más niño de todos. Mike (River Phoenix) es un joven que tuvo una infancia brutalmente compleja, sumido en la pobreza y con padres que no estuvieron allí para él. Scott (Keanu Reeves) es su reverso, nacido de una familia millonaria, su padre es el alcalde de la ciudad, y Scout se sabe inevitable heredero de una fortuna. Ambos, consideran haber tenido una infancia difícil, y como suele ocurrir, ninguno de ellos puede ponerse en la situación del otro.
Este filme es una colección sucesiva de impresiones, y tiene su principal logro en como las retrata. La ilusión poética adolescente de coleccionar frases elevadas, presentada en los diálogos de sus protagonistas, principalmente con Bob. El acercamiento a la sexualidad como algo inevitable pero al mismo tiempo poco placentero o hasta incluso desagradable, presentando las escenas sexuales como fotogramas de recuerdos fragmentados, trozos de un espejo roto en el que aún vemos nuestro reflejo. La decisión de afrontar la adultez como una decisión de cambio. La negación a la adultez como una cíclica repetición y vuelta a empezar, representada por la carretera con la que empieza y termina el filme. El anhelo del adulto de volver a su adolescencia. El anhelo del adolescente a ser adulto o al menos a ser reconocido por los adultos. El adolescente que se siente traicionado por su ex amigo, ahora adulto. El iniciado adulto negando la existencia de su ex amigo, aún adolescente.
En fin, esta deconstrucción no tiene ni pies ni cabeza, es solo una sucesión de impresiones, que, siguiendo el espíritu de la película, tuve intenciones de transcribir. Por último, algo que podría cuestionarse a esta película es su excesivo tono elevado y poético, quizás demasiado pretensioso, pero al fin y al cabo, ¿Quién, principalmente en su adolescencia, no ha visto su vida más poética y elevada de lo que realmente es?.
Coen's "A Serious Man" (2009)
Desde su brillante opera prima "Blood Simple", alla por el año 1984, los Hermanos Coen cuentan ya con una cuantiosa lista de excelentes peliculas como "Miller´s Crossing" (1990), "Barton Fink" (1991), "Fargo" (1996), "The Big Lebowsky" (1998) y "No Country for Old Men" (2007). Su producción a hoy, sin dudas, los ubica entre las principales figuras del cine contemporáneo.
Con el estreno de su última película, "A Serious Man" (2009), suman una nueva obra maestra en su haber. Filmada en un suburbio del oeste de Estados Unidos, cuenta la historia de Larry Gopnik, un padre de familia de la comunidad judía, que sin previo aviso empieza a tener dificultades en todos los aspectos de su vida: familiar, laboral, conyugal, y un interminable etcétera. Como la vida misma, los problemas nunca vienen de a uno, en el caso de Larry, son legión.
Hablar del contenido de la película me lo tengo totalmente prohibido. Es una pelicula que merece ser vista sin ningún tipo de prejuicio. En el amplio sentido de la palabra, ya un trailer puede predisponernos a ver un film de una manera u otra. Solo un par de recomendaciones: todo lo que se pueda decir sobre un supuesto ataque o burla a la comunidad judía son chorradas siempre presentes, entre las virtudes de esta película es su universalidad: es atemporal y omnipresente. Pertenece a cada uno de nosotros, en cada momento de nuestras vidas, no importa en que epoca o lugar vivamos. La otra recomendación, es que aunque la película se presente como una sátira de humor negro, no quedarse únicamente con ese espíritu. Si hay una virtud en los Coen, es la capacidad de narrar decisiones y convicciones morales complejas en un tono ameno, de manera inmejorable. Saber contar un drama que pueda influenciarnos es complejo, presentar una comedia que pueda influenciarnos moralmente, es más complejo aún.
Dado que lo que sigue es una reflexion filosófica provocada por la ociosidad, no lo considero un spoiler. Así que comento las impresiones que esta pelicula me ha dejado. Un crítico de cine decía que siempre que un personaje tiene al menos una línea de dialogo, obligatoriamente tiene alguna razon de ser en la pelicula, ya que los presupuestos del cine no se permiten tener personajes que figuren en el reparto pero que sean intrascendentes. En el caso de "A Serious Man", cada personaje que tenga al menos una línea de dialogo tiene una razón de ser, en mi opinión, cada uno de ellos representa una tipología de individuo específica en un momento particular de su vida, el reparto en su conjunto, es una colección de individuos que forman una sociedad completa en sí misma, interrelacionada por los eventos de la pelicula.
Esta sucesión de eventos y cómo cada uno de los personajes, principalmente su protagonista Larry, interactúa con ellos, forman un dilema moral cíclico que convierte la suma de las parabolas de todos los individuos en una única paradoja. De alguna manera inexplicable, los Hermanos Coen han sabido construir una Cinta de Moebius sobre la moralidad, la responsabilidad y las lecciones de vida aprendidas. Con el regalo de la razón, el hombre recibió el efecto colateral de la preocupación. Cada vez que algo negativo, que no hemos podido predecir, ocurre en nuestras vidas, nos preguntamos ¿Por qué?. En la respuesta, buscamos encontrar algo que justifique lo que ha ocurrido, que nos ayude a actuar en consecuencia y que nos tranquilice anímica y moralmente. Pues quizás esta pelicula sea una metáfora perfecta de todas nuestras preguntas y todos nuestros ¿Por qué? repetidos hasta el hartazgo, y quizás tambien, en sus últimos minutos, sea la única respuesta que podemos esperar.
Con el estreno de su última película, "A Serious Man" (2009), suman una nueva obra maestra en su haber. Filmada en un suburbio del oeste de Estados Unidos, cuenta la historia de Larry Gopnik, un padre de familia de la comunidad judía, que sin previo aviso empieza a tener dificultades en todos los aspectos de su vida: familiar, laboral, conyugal, y un interminable etcétera. Como la vida misma, los problemas nunca vienen de a uno, en el caso de Larry, son legión.
Hablar del contenido de la película me lo tengo totalmente prohibido. Es una pelicula que merece ser vista sin ningún tipo de prejuicio. En el amplio sentido de la palabra, ya un trailer puede predisponernos a ver un film de una manera u otra. Solo un par de recomendaciones: todo lo que se pueda decir sobre un supuesto ataque o burla a la comunidad judía son chorradas siempre presentes, entre las virtudes de esta película es su universalidad: es atemporal y omnipresente. Pertenece a cada uno de nosotros, en cada momento de nuestras vidas, no importa en que epoca o lugar vivamos. La otra recomendación, es que aunque la película se presente como una sátira de humor negro, no quedarse únicamente con ese espíritu. Si hay una virtud en los Coen, es la capacidad de narrar decisiones y convicciones morales complejas en un tono ameno, de manera inmejorable. Saber contar un drama que pueda influenciarnos es complejo, presentar una comedia que pueda influenciarnos moralmente, es más complejo aún.
Dado que lo que sigue es una reflexion filosófica provocada por la ociosidad, no lo considero un spoiler. Así que comento las impresiones que esta pelicula me ha dejado. Un crítico de cine decía que siempre que un personaje tiene al menos una línea de dialogo, obligatoriamente tiene alguna razon de ser en la pelicula, ya que los presupuestos del cine no se permiten tener personajes que figuren en el reparto pero que sean intrascendentes. En el caso de "A Serious Man", cada personaje que tenga al menos una línea de dialogo tiene una razón de ser, en mi opinión, cada uno de ellos representa una tipología de individuo específica en un momento particular de su vida, el reparto en su conjunto, es una colección de individuos que forman una sociedad completa en sí misma, interrelacionada por los eventos de la pelicula.
Esta sucesión de eventos y cómo cada uno de los personajes, principalmente su protagonista Larry, interactúa con ellos, forman un dilema moral cíclico que convierte la suma de las parabolas de todos los individuos en una única paradoja. De alguna manera inexplicable, los Hermanos Coen han sabido construir una Cinta de Moebius sobre la moralidad, la responsabilidad y las lecciones de vida aprendidas. Con el regalo de la razón, el hombre recibió el efecto colateral de la preocupación. Cada vez que algo negativo, que no hemos podido predecir, ocurre en nuestras vidas, nos preguntamos ¿Por qué?. En la respuesta, buscamos encontrar algo que justifique lo que ha ocurrido, que nos ayude a actuar en consecuencia y que nos tranquilice anímica y moralmente. Pues quizás esta pelicula sea una metáfora perfecta de todas nuestras preguntas y todos nuestros ¿Por qué? repetidos hasta el hartazgo, y quizás tambien, en sus últimos minutos, sea la única respuesta que podemos esperar.
domingo, 17 de enero de 2010
"YO, ÑOÑO": Avatar vs. Pocahontas
A colación del post anterior, una chorrada sobre la comparación de Avatar y Pocahontas que esta circulando por Internet ultimamente.
sábado, 16 de enero de 2010
James Cameron's "Avatar" (2009)
Hablar de Avatar es hablar del autoproclamado "King of the World", James Cameron. Cuya opera prima, nos dice mucho sobre su superlativa influencia en lo mejor que el Cine Pochoclo tiene para ofrecernos. Para nuestros lectores de la madre patria, podríamos traducir Cine Pochoclo por Cine Palomitas de Maíz, pero la expresión pierde toda la gracia, si es que alguna vez la tuvo.
Me disperse, ocurre que para hablar de Avatar no puedo ser menos que su director, y si una película puede ser extensísima, dispersa y redundante, pues mi intención, mas bien mi obligación con nuestro comerciante favorito de cine es ser tan extenso, redundante y disperso como el.
Pues bien, seria redundante decir que me he vuelto a dispersar, con lo cual, debo decirlo, y volver al principio, que era hablar del inicio de la carrera de nuestro valuarte, cuya opera prima fue... "Pirañas Parte 2", película que da un giro inesperado a su predecesora, y en esta, las pirañas, además de ser descontroladamente carnívoras y muy mala hostia... esta vez... ¡vuelan!
Pues Cameron tiene eso, es el concepto de anabólicos y esteroides aplicado al cine. A Ridley Scott le alcanzo un Alien para hacer una obra maestra, Cameron hizo una brillante película, pero en vez de hacer volar al Alien (recurso que ya había agotado con las pirañas), los multiplico y titulo la película Aliens... y eran mucho mas que dos. Luego tenemos las incuestionables Terminator I y II, hitos del cine de ciencia ficción y "The Abyss", que aprovecho para comentarles que a los que no les pareció que sus 140 minutos eran suficientemente coñazo, hay una versión extendida que dura media hora mas aun.
Luego vino Titanic y Kate Winslet y Leonardo DiCaprio y 200 millones de dólares de presupuesto y sus 194 minutos de duración y 11 Oscars y Cameron con su grito de guerra "I'm the King of the World" y... y... y... y todos quedamos hasta los cojones de James Cameron. Y luego de 12 años de silencio... vuelve con Avatar. Así que dando por concluido este preámbulo inútil, sin mas, pasamos a hablar de la película en cuestión.
Para el que no lo sabe, Avatar es la película mas cara de la historia del cine, sepa usted, señora y/o señor lector, que para hacer esos bichitos saltarines azules y la vegetación de colorines que se ilumina en la oscuridad se han invertido 240 millones de dólares, unos pocos millones de dólares mas y se podrían reconstruir las torres gemelas con lo que se gasto en esta épica película. además, algo también conocido por todos, es que King Cameron ha estado 12 años trabajando en el proyecto, de algo podemos estar seguros: fueron 12 años dedicados a los complejos recursos tecnológicos utilizados para realizar la película, porque para el guión, se descargo de Internet el guión de Pocahontas, le cambio los nombres a los personajes, sumo 600 años a la fecha en que transcurre la historia y se invento un nombre de un extraño y codiciado mineral para ponerlo en lugar del oro, el resto, es la historia de Pocahontas sin mas... Cierto que también inventaron un idioma para esta película, y hay gente que lo esta aprendiendo... perdón por mi falta de retórica, pero si que hay boludos en el mundo...
Para ser honestos, Avatar es un muy buen entretenimiento, una pasada visual y la tecnología que utilizaron es por demás interesante: que básicamente se resume a la posibilidad de filmar actores y obtener en tiempo real sus expresiones en el modelo digital 3D y al mismo tiempo, cual engine de videojuego, la generación en tiempo real de los escenarios de la escena que se esta filmando.
Pero, ¿Que es lo que no nos gusta de Avatar? Primero y principal, es realmente insultante un guión que mas que tomar algunas ideas de otros, es una violación sin atenuantes a la pobre Pocahontas, y un refrito de otros como Matrix. Segundo, se suponía que tecnológicamente este filme daría inicio a una nueva generación para el cine. Y puede ser que lo sea ya que la tecnología desarrollada para esta película estará disponible para próximas producciones, pero lo que no ha ocurrido es que el cambio tecnológico represente un salto cualitativo en el resultado. Tenemos actores reales cuyos gestos son renderizados en tiempo real en el modelo 3D, pero esto no hace que el personaje finalmente sea mas real o convincente, quizás porque es peor el actor que el bicharraco azul que terminamos viendo, pero la realidad es que Pixar, dentro del ámbito digital, supera con creces a los avatares, con sus personajes inverosímiles pero al mismo tiempo de una expresividad magnifica: Wall-E no necesita pronunciar palabra para ser convincente, Mike Wazowsky y Sullivan en Monster Inc. SON Billy Crystal y John Goodman. Al mismo tiempo, el despliegue de efectos especiales abruma por su cantidad y no por su calidad, hemos visto efectos visuales equivalentes en otras películas, la diferencia, es que aquí quedamos hastiados de verlos sin descanso por mas de dos horas seguidas.
Es decir, el cambio tecnológico tiene su principal significancia en como el director puede ahora realizar su trabajo, no en la experiencia final del espectador. En resumidas cuentas, Avatar entretiene mucho y es una experiencia visual que vale la pena ver en cine 3D, pero las expectativas que el mismo Cameron nos hizo tener en su ultima producción, luego de años de insistirnos con lo grandiosa e influyente que seria su Avatar, no quedan para nada satisfechas. Y lo que me resulta imperdonable, es que por culpa de su plagio argumental, tuve que terminar hablando de Pocahontas, espero que en su próxima película no abuse del guión de El Rey León, porque tener que hablar del Hakuna Matata ya seria demasiado.
martes, 12 de enero de 2010
Fernando Trueba´s "El Baile de la Victoria" (2009)
Muy de vez en cuando, un día como cualquier otro, uno decide ir al cine y asiste a una proyección que supera todas sus expectativas. Para este humilde servidor, este fue el caso de "El Baile de la Victoria", la ultima película de Fernando Trueba con la participación estelar del argento Ricardo Darín.
Pensar que esta película podía no ser buena, estaba dentro de lo predecible. Pensar que esta película podía ser mala, también lo estaba. Ahora, pensar que este filme, con sus poco mas de dos horas, podía convertirse en una tortura audiovisual capaz de provocar daño cerebral permanente, no era esperable.
Pues bien, esta bazofia ha sabido superar todas mis predicciones y se ha convertido, por lejos, en la peor película que he visto en mucho tiempo, y aclaro que estoy siendo muy permisivo, ya que esta malformación de la naturaleza creativa de Trueba nunca mereció siquiera ser filmada o proyectada. Todo el dinero invertido en esta película hubiera sido preferible prenderlo fuego desde el primer día y danzar en torno a las llamas, unos pocos se habrían divertido en ese breve ritual efímero y muchos no hubiéramos tenido que pagar las consecuencias de esta aberración.
Hacer una sinopsis seria indecente, el argumento no soporta ningún tipo de análisis y debería estar junto a los libros de magia negra o necromancia que están prohibidos a los hombres.
Solo destacar el despliegue actoral superlativo de esta película, que cuenta con un Ricardo Darín a la altura de las circunstancias, mas boludo que nunca. Una tal Miranda Bodenhofer en su papel de joven pobre y muda, que malinterpreto su discapacidad y desempeño su papel como subnormal, y que, destaquemos, presencio de niña la muerte de sus padres a manos de la dictadura, ese fantasma de los países latinoamericanos que parece que no vivieron ningún evento político-económico-social significativo en los últimos 30 años.
Y finalmente un párrafo aparte para su protagonista, Abel Ayala, un joven de bajos recursos, que recibió todas sus "lecciones de vida" en sus dos años de cárcel, pero que la vida (viste como es eso...) en no mas de media hora luego de salir de la penitenciaria, le obsequio conocer al amor de su vida, enamorarla, correr, saltar, reír y llorar (bajo la lluvia, claro esta) y encontrar su hogar adoptivo, sus nuevos amigos y un sinfín de aventuras dignas de ser omitidas.
Claro esta, esto es solo mi humilde opinión, habrá lectores que puedan considerar esta película buena, interesante o al menos entretenida. A ellos agradecería tengan la delicadeza de dejar su dirección de correo de contacto para poder ingresarlos en mi lista de correo no deseado.
Pensar que esta película podía no ser buena, estaba dentro de lo predecible. Pensar que esta película podía ser mala, también lo estaba. Ahora, pensar que este filme, con sus poco mas de dos horas, podía convertirse en una tortura audiovisual capaz de provocar daño cerebral permanente, no era esperable.
Pues bien, esta bazofia ha sabido superar todas mis predicciones y se ha convertido, por lejos, en la peor película que he visto en mucho tiempo, y aclaro que estoy siendo muy permisivo, ya que esta malformación de la naturaleza creativa de Trueba nunca mereció siquiera ser filmada o proyectada. Todo el dinero invertido en esta película hubiera sido preferible prenderlo fuego desde el primer día y danzar en torno a las llamas, unos pocos se habrían divertido en ese breve ritual efímero y muchos no hubiéramos tenido que pagar las consecuencias de esta aberración.
Hacer una sinopsis seria indecente, el argumento no soporta ningún tipo de análisis y debería estar junto a los libros de magia negra o necromancia que están prohibidos a los hombres.
Solo destacar el despliegue actoral superlativo de esta película, que cuenta con un Ricardo Darín a la altura de las circunstancias, mas boludo que nunca. Una tal Miranda Bodenhofer en su papel de joven pobre y muda, que malinterpreto su discapacidad y desempeño su papel como subnormal, y que, destaquemos, presencio de niña la muerte de sus padres a manos de la dictadura, ese fantasma de los países latinoamericanos que parece que no vivieron ningún evento político-económico-social significativo en los últimos 30 años.
Y finalmente un párrafo aparte para su protagonista, Abel Ayala, un joven de bajos recursos, que recibió todas sus "lecciones de vida" en sus dos años de cárcel, pero que la vida (viste como es eso...) en no mas de media hora luego de salir de la penitenciaria, le obsequio conocer al amor de su vida, enamorarla, correr, saltar, reír y llorar (bajo la lluvia, claro esta) y encontrar su hogar adoptivo, sus nuevos amigos y un sinfín de aventuras dignas de ser omitidas.
Claro esta, esto es solo mi humilde opinión, habrá lectores que puedan considerar esta película buena, interesante o al menos entretenida. A ellos agradecería tengan la delicadeza de dejar su dirección de correo de contacto para poder ingresarlos en mi lista de correo no deseado.
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